Une chanson pleine d'amour et d'humour ! Une chanson emplie de fraîcheur, de vie : le titre Des jonquilles aux derniers lilas évoque l'univers des fleurs, un monde de beauté, d'harmonie et de bonheur... car les jonquilles annoncent comme les lilas la bonne saison : le renouveau du printemps...

Et bien sûr, les fleurs et le printemps sont souvent associés à l'amour : c'est ainsi que le narrateur qui parle à la première personne raconte sa rencontre avec "Emilie": "J'ai connu Emilie", on remarque ici l'emploi du verbe "connaître" qui peut avoir le sens ancien de "avoir des relations intimes"... le personnage évoque la beauté de la jeune fille de manière hyperbolique : "Elle était si jolie", d'autant plus que sa beauté est cernée de fleurs " des jonquilles aux derniers lilas."

En contraste, dans le tableau qui suit, on voit l'animosité et la violence d'un père autoritaire qui dans la "ferme endormie"  attend le jeune homme avec un fusil... chasse gardée !

Le vocabulaire est fort, volontairement caricatural : 

"Il me chassa aux premières jonquilles,
Me fusilla des jonquilles aux derniers lilas"

Le contraste entre les fleurs et la violence du vocabulaire est amusant, il prête à sourire et crée un effet burlesque.

La suite de la scène est particulièrement piquante, dans tous les sens du terme, avec cette anecdote qui est plutôt amusante :

"Un jour, dans la grange aux loups, aux premières jonquilles,
Elle sauta sur mes genoux des jonquilles aux derniers lilas.
Une fourche me piqua, je me relevai en hurlant."

C'est alors pour le narrateur la fuite éperdue à travers bois... on voit la scène comme dans un film... et dans le refrain, on retrouve de manière insistante le geste du père :

"Il me piqua aux premières jonquilles
Et me fourcha des jonquilles aux derniers lilas."

On remarque l'emploi amusant du verbe "fourcher" dans un sens qui n'est pas habituel, ce qui renforce le comique et la parodie...

Et le personnage ne se contente pas de séduire la jeune fille, il boit aussi le vin du paternel, si bien qu'il se retrouve catapulté "au fond de la mare aux canards." Et on note comme en contrepoint burlesque l'emploi du verbe "connaître" dans ces vers :

"Son pèr' voyant le tableau, me fit connaître un peu plus tard
Les grenouilles et les crapauds au fond de la mare aux canards."

Le vocabulaire hyperbolique utilisé " il m'injuria et me noya" relève encore de la parodie...

Dans le dernier couplet, comme un écho amusant au premier, on retrouve encore l'emploi du verbe connaître : 

"J'ai connu le sel et le plomb aux premières jonquilles.
J'ai connu l'auge à cochon des jonquilles aux derniers lilas."

Le "sel" peut représenter le sel de la vie, l'amour de la belle Emilie, le "plomb" symbolise la virulence du père, ainsi que "l'auge à cochons".

L'accumulation des mésaventures vécues par le personnage crée un effet comique, d'autant que le narrateur survit à toutes ces violences.

La fin de la chanson montre encore la vitalité, l'élan de vie du personnage, avec des verbes de mouvement :

Est-il encor' derrièr' moi ? Que m'importe Je cours encor'.
Je vais, je vas aux premières jonquilles
Du pré au bois des jonquilles aux derniers lilas.

La présence de la nature marque le triomphe de la vie, de la joie de vivre, le départ vers de nouvelles aventures...

La mélodie pleine d'entrain souligne merveilleusement cette vitalité du personnage...

Pour mémoire :

Des jonquilles aux derniers lilas » est une chanson interprétée par Hugues Aufray, sur des paroles de Jean-Michel Rivat et Frank Thomas et une musique de Maurice Dulac.

Les paroles :

https://www.parolesbox.fr/fr/paroles/hugues-aufray/des-jonquilles-aux-derniers-lilas

Une magnifique chanson, pleine d'amour, de tendresse, d'humanité, qui a la forme d'un discours intimiste : on y retrouve toutes les marques du discours, impératif, première et deuxième personne du singulier, présent, passé composé, apostrophe : Céline... à qui s'adresse le poète.

C'est un frère qui parle à une de ses soeurs et qui l'interroge :

"Pourquoi n’as tu jamais pensé à te marier?"

Une question intime et un constat :

"De tout’ mes sœurs qui vivaient ici,
Tu es la seule sans mari."

Et la question ne reçoit pas de réponse mais seulement une réaction de pudeur commentée par le frère dans le refrain :

"Non, non, non, ne rougis pas, non, ne rougis pas."

On perçoit là toute la discrétion, la retenue du personnage, ainsi que la douceur, la délicatesse de ce frère qui la rassure, la complimente sur ses "beaux yeux", malgré le temps qui passe... qui la rassure encore avec cette affirmation : 

"Tu aurais pu rendre un homme heureux."

Ainsi la chanson évoque aussi un thème universel : la fuite inexorable du temps...

Et le frère de souligner le rôle joué par sa soeur aînée, devenue une mère pour la fratrie, n'ayant vécu que pour se dévouer...

A tel point que cette soeur aurait renoncé à l'amour d'un "gentil fiancé". Les interrogations posées par le frère restent encore sans réponse :

"Dis moi, Céline, qu’est il donc devenu
Ce gentil fiancé qu’on n’a jamais revu?"

Et toujours cette pudeur qui se révèle dans le refrain :

"Non, non, non, ne rougis pas, non, ne rougis pas."

Et toujours cette délicatesse du frère qui rassure, apaise, console :

"Mais non, Céline, ta vie n’est pas perdue.
Nous sommes les enfants que tu n’as jamais eus."

Et dans la dernière strophe, ce sont les larmes de Céline qui surgissent et qui sont évoqués dans un discours parlé plein de tendresse et de douceur :

"Ne pleure pas, non, ne pleure pas.
Tu as toujours les yeux d’autrefois."

Et les derniers vers sonnent comme une affirmation d'amour éternel : 

"Nous resterons toujours près de toi,
Nous resterons toujours près de toi."

Quelle belle déclaration d'amour à une soeur qui s'est dévouée pour sa famille, qui a remplacé une mère ! Dévouement, générosité, modestie, discrétion, on perçoit dans le personnage de Céline une profonde humanité...

Voilà un bel hommage aux personnes qui oeuvrent dans l'ombre, qui se sacrifient pour le bonheur des autres... ainsi le personnage de Céline ne s'exprime pas, reste pudique... On aime la simplicité du texte sous la forme d'un discours familier qui nous touche.

La mélodie restitue dans sa douceur toute la tendresse de ce frère qui s'adresse à une soeur aimée.

Pour mémoire :

Céline est une chanson écrite et composée par Vline Buggy, Mort Shuman et Hugues Aufray qui en est l'interprète. Elle sort en 1966 sur un super 45 tours de quatre titres où figure également un autre succès Stewball.

Les paroles :

https://www.paroles.net/hugues-aufray/paroles-celine

https://www.radiofrance.fr/francebleu/podcasts/france-bleu-collector/celine-une-chanson-inspiree-d-une-bouleversante-histoire-familiale-3561981

Un bel hommage aux professeurs dans cette magnifique chanson interprétée par Hugues Aufray...

Dès le début, on voit les "enfants qui font une farandole", une danse pour célébrer leur enseignant et son départ à la retraite. Et malgré cette ambiance de fête, c'est l'émotion qui domine pour celui qui est au centre de la fête :

"Et le vieux maître est tout ému"

Et c'est comme si l'on entrait dans les pensées du personnage qui nous paraît ainsi particulièrement proche de nous et touchant :

"Demain il va quitter sa chère école
Sur cette estrade il ne montera plus"

C'est ce que suggèrent bien l'adverbe de temps "demain" et le déictique "cette estrade".

On perçoit aussi dans ces mots toute l'affectivité d'un maître pour son école, et le caractère inéluctable de son départ prochain, avec l'emploi du futur et de la négation.

Et le refrain comme entonné par les élèves nous fait entendre leurs voix :

"Adieu monsieur le professeur
On ne vous oubliera jamais"

Le vocabulaire exprime alors respect, tendresse, affectivité avec les expressions " au fond de notre coeur", "combien on vous aimait".

Le souvenir indélébile que laissera le professeur est la meilleure des récompenses, le plus beau des cadeaux...

L'offrande de "quelques fleurs" vient s'ajouter à ces propos réconfortants.

Et voici le maître "seul dans la classe", et c'est dans cette solitude que s'exprime sa peine avec pudeur, retenue et modestie :

"Une larme est tombée sur sa main
Seul dans la classe il s'est assis"

Et le maître de se remémorer tous les "gamins qu'il a vus défiler, qu'il a aimés tout au long de sa vie". On perçoit là tout l'investissement que requiert l'enseignement : un métier prenant, une vocation...

Dans le dernier couplet, on assiste à la remise des prix de fin d'année, une cérémonie avec des discours, et les enfants réunis "sous le préau" sont prêts à chanter : le refrain revient alors, comme un adieu émouvant empreint de reconnaissance et de gratitude :

"Adieu monsieur le professeur
On ne vous oubliera jamais
Et tout au fond de notre coeur
Ces mots sont écrits à la craie"

On aime la simplicité de cet hommage, sa valeur universelle, la mélancolie qui en émane, on y retrouve l'ambiance d'une école  d'autrefois avec des détails comme "la craie, l'estrade, le préau, les beaux prix remis aux élèves." Nous gardons tous ainsi en mémoire le souvenir de professeurs qui nous ont tant apporté.

La mélodie douce restitue harmonie, émotion, bonheur...

Pour mémoire :

"Adieu monsieur le professeur est une chanson écrite par Vline Buggy et Hugues Aufray, composée par Jean-Pierre Bourtayre et interprétée par Hugues Aufray. Elle sort en 45 tours en 1968.

La source d'inspiration de la chanson est le départ à la retraite de l'instituteur de la fille d'Hugues Aufray."

Les paroles :

https://www.paroles.cc/chanson,adieu-monsieur-le-professeur,14618

On perçoit dans cette chanson de Michel Fugain un magnifique et vibrant hommage à la beauté infinie du monde, à ses merveilles si nombreuses qu'une vie humaine ne suffirait pas à les découvrir...

Le texte à la première personne du singulier se présente sous la forme d'un discours direct très simple qui nous touche, il évoque un manque de temps : le mot "temps" apparaît à la rime à cinq reprises dans le refrain... comme une obsession, une urgence qui pèsent sur le narrateur...

Et, cela, malgré tous les moyens imaginés et improbables :

"Même en courant
Plus vite que le vent
Plus vite que le temps
Même en volant"

On retrouve là un thème littéraire et poétique très ancien, celui de la fuite irrémédiable du temps et de la brièveté de la vie humaine... mais ce thème est traité de manière originale, sans aucune amertume.

Confronté à "Toute l’immensité D’un si grand univers", le poète a conscience que les richesses de ce monde sont infinies pour une vie humaine.

Et même une vie de centenaire n'y suffirait pas...

Alors comment faire ?

Comment faire ? Sinon s'ouvrir au monde, s'émerveiller, se montrer curieux, attentif au monde, s'enthousiasmer,  ce que fait le poète : 

"J’ouvre tout grand mon cœur
J’aime de tous mes yeux"

Ces expressions hyperboliques restituent ce désir de ne rien rater et de s'enivrer de ce monde...

Mais devant tant de beautés, "tant de coeurs", "tant de fleurs", encore des expressions hyperboliques, le poète ne peut que constater une forme d'échec...

"Trop peu, trop court, trop court" : ces expressions répétitives, insistantes traduisent une impossibilité...

Dans le dernier couplet, c'est l'amour lui-même qui paraît limité par le temps. Le verbe "aimer" répété  à trois reprises restitue ce besoin d'aimer à l'infini... un besoin encore restreint par le temps...

Voilà une chanson qui nous touche, car elle a une valeur universelle : tout le monde est sensible à la fuite du temps et à la brièveté de la vie. Et la chanson nous donne aussi une leçon de vie : s'émerveiller devant la beauté du monde, aimer sans perdre de temps.

La mélodie nous fait entendre et percevoir, par sa douceur, toutes les splendeurs de l'univers...

Sur ce thème, une citation de Jean-Claude Guillebaud : "S'émerveiller du monde, de la vie, des humains, me semble aujourd'hui la moindre des choses."

Pour mémoire :

"Je n'aurai pas le temps est une chanson écrite par Pierre Delanoë, composée et interprétée par Michel Fugain en 1967. Il s'agit du premier succès de Michel Fugain, à l'époque influencé et encouragé par son ami Michel Sardou, afin qu'il se lance dans l'interprétation. 

En 2008, l'astrophysicien et vulgarisateur scientifique canadien Hubert Reeves écrit un livre sur sa vie et son activité de scientifique qu'il intitule Je n'aurai pas le temps en référence à la chanson de Michel Fugain qu'il a entendue lors de son interprétation par une chorale dirigée par son fils mais aussi en raison de son âge qui l'empêchera de continuer ses recherches « au-delà de quelques années ». Il le précise dans le premier chapitre de cet ouvrage où il reprend la seconde strophe de la chanson."

Les paroles :

https://www.paroles.cc/chanson,je-n-aurai-pas-le-temps,24628

Dans un monde de technicité croissante où l'homme éprouve des difficultés à trouver des repères, voici une chanson interprétée par Michel Fugain,  qui nous invite à un retour vers la nature, une belle ode à la liberté et à la simplicité... et c'est réconfortant...

La chanson s'ouvre sur le refrain avec un conseil sous la forme d'un impératif : "Fais comme l'oiseau"... l'oiseau symbole de beauté, de liberté, d'insouciance représente bien  un modèle de cette nature que nous avons tendance à oublier...

Associé à "un air pur, à une eau fraîche", à "un peu de chasse et de pêche" l'oiseau n'est-il pas le meilleur symbole d'une nature intacte ?

Symbole aussi de liberté et d'élan car il peut toujours "aller plus haut".

Le mot "oiseau" réitéré à quatre reprises dans ce refrain, le plus souvent à la rime, est ainsi magnifié...

Dans le premier couplet, on perçoit les paroles d'un locuteur qui répond aux propos énoncés dans le refrain : 

"Mais je suis seul dans l'univers
J'ai peur du ciel et de l'hiver"

Solitude, peur des éléments, ce locuteur évoque bien la condition de l'homme sur la terre... et les peurs sont multiples : le mot "peur" est ainsi employé à quatre reprises dans ce couplet : "peur des fous, de la guerre, du temps qui passe"...

Dès lors, une question existentielle est posée : "Comment peut on vivre aujourd'hui
Dans la fureur et dans le bruit"... les mots sont violents et les sonorités de gutturales "r" qui les composent le sont aussi...

Le désarroi se traduit alors par des négations et par ce rythme ternaire insistant :

"Je ne sais pas, je ne sais plus, je suis perdu"

Dans un deuxième couplet, c'est l'amour qui est évoqué, et notamment celui de "ce sauveur de l'humanité" que recherche en vain le locuteur... un amour souvent loué, "chanté"... Ainsi est abordé le thème religieux... Et le désarroi se traduit encore par des questions qui marquent aussi le doute :

"Comment peut on vivre sans lui ?
Sous quelle étoile, dans quel pays ?"

Des négations viennent désespérément mettre en doute la foi religieuse :

"Je n'y crois pas, je n'y crois plus, je suis perdu"

On perçoit encore du désespoir dans le dernier couplet où le personnage se lamente encore et exprime son exaspération de manière directe avec un vocabulaire familier :

"Mais j'en ai marre d'être roulé
Par des marchands de liberté"

L'utilisation réitérée de la consonne gutturale "r" pleine de dureté vient souligner le propos....

On retrouve ce langage familier dans les vers suivants :

"Et d'écouter se lamenter
Ma gueule dans la glace..."

Dès lors, reviennent des questions qui insistent sur le désarroi : quelle attitude adopter ? La lutte ou le renoncement ? Et à nouveau, c'est le vocabulaire familier, courant qui est utilisé donnant une tonalité réaliste à ce discours :

"Est-ce que je dois montrer les dents ?
Est-ce que je dois baisser les bras ?"

Le refrain vient à nouveau répondre à cette angoisse avec l' exemple de l'oiseau, symbole de liberté, de légèreté, de paix, d'harmonie...

Certes, cette réponse peut paraître utopique, mais comme elle fait du bien ! Voilà une chanson remplie d'espoir qui prône le détachement et la simplicité...

La mélodie oscille entre mélancolie dans les couplets et joie, élan vital dans le refrain comme pour mimer la liberté et le bonheur infini de l'oiseau...

Pour mémoire :

"Au tout début de l’année 1972 Michel Fugain se trouve au Brésil où il participe au festival de la chanson à Rio de Janeiro. Michel Fugain y représente la France.

Après sa prestation devant plus de 20 000 au Maracanã, le plus grand stade de football du Brésil, Michel Fugain reste en coulisses pour profiter de la suite du spectacle.

Et c’est ainsi qu’il entend la chanson Voce Abuso interprétée par me duo Antonio Carlos et Jocafi. C’est le tube local du moment.

Il est immédiatement séduit et décide de reprendre ce titre.

Il obtient les droits et demande à son ami Pierre Delanoë d’en faire la version française."

Les paroles :

https://www.lacoccinelle.net/1018831.html